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“你要说他们有什么缺点的话，那就是：

面对自画像，

实在有点太一本正经了”。

Claude Monet

克劳德·莫奈

■《戴着贝雷帽的自画像》，画于1886年。

��这幅自画像目前被私人收藏。

好的画家，也难画好自己。这句话不太适用于莫奈。在这幅莫奈的自画像作品里，除了细腻的色彩，完美的光影还有模糊的轮廓线外，还有他身上标志性的贝雷帽和大胡子。认真看看莫奈的眼神，我们总是觉得能被某个眼神打动。

就像一个三好学生，莫奈对于“自拍”的态度，也是非常严谨精准的，不能失于任何一副作品的水准。自画像不仅精准拿捏了光线与黑暗的平衡感，处理成干净而有质感的背景，也使得这幅肖像画多了几分沧桑的痕迹。还是可以感受到一种拍证件照时，被摄影师那句“背挺直”，“头再往上扬一点”所支配的拘束感。

Rembrandt van Rijn

伦勃朗·凡·莱因

■《伦勃朗自画像》，画于1659年。

��这幅自画像目前被美国国家美术馆永久收藏。

伦勃朗作为荷兰历史上最伟大的画家，拥有两个最独特的关键词：自画像，明暗法。在这幅自画像中，我们能明显感受到“明暗法”的含义。棕黑的背景加上侧身端坐着严肃的伦勃朗，只有上半身以及头部周围有明显的光线。这种感觉，像不像一位不靠谱的摄影助理在拍证件照时把灯打歪了？

■《夜巡》，这幅画是伦勃朗最重要的作品，荷兰国宝，荷兰艺术登峰造极的代表之作，更是西方艺术的瑰宝。

而正是这种“把光打歪了”的特点，成就了伦勃朗的油画。他一贯采用“光暗”处理手法娴熟作画，就像这幅最著名的《夜巡》，采用黑褐色或浅橄榄棕色为背景，将光线概括为一束束集中线，像追光般打在画的主体上。有人曾把伦勃朗称为“夜光虫”，因为他能用黑暗绘就光明。

Leonardo da Vinci

列奥纳多·达·芬奇

■《达芬奇自画像》，画于约1510年。

��这幅自画像被都灵皇家图书馆永久收藏。

说自画像就是一个大头的自画像，不画别的。《达芬奇自画像》是这位伟大的艺术家少有的自画像，大约在他60岁时完成创作。这幅素描作品是用红铅粉笔画成，幅面约 33．3 x 21．3厘米，整幅画用笔流畅、洗炼。线条丰富多变，刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化。

画如其人，其实不然。从这幅画上，你想象不到兴趣、爱好如此丰富跳跃的达芬奇本人，用最保守的方法画自己。然而我们能从这幅画上看到这位巨匠晚年时的思考力，气质以及他那深邃的充满着智慧的目光。画家脸上披散着的长发与颌下的长须，其中每一根线条，都给人留下深刻的印象。

Vincent van Gogh

文森特·梵高

■《缠着绷带的耳朵》，画于约1889年。

��这幅自画像收藏于伦敦考陶尔德美术馆。

这幅画不论是从色彩还是笔触上，都比较活跃。用“一本正紧”来形容它实在有点不公平。从梵高耳朵上缠着的绷带可以推断，这幅画创作于他割掉耳朵后不久。同时，这也是梵高所有自画像中最有名的一幅。试想，一个连自己割了耳朵也要如实画出来，保留到自己作品中的人，可见是多么的诚实。再加上出身于牧师家庭与不善与人沟通的性格，我们便可大胆的猜测，作画时的梵高，当然是一本正经的。

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他们像拍艺术写真那样

个 性 鲜 明

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面对自己，

他们总是想要与众不同一些。

自画像更是如此。

Norman Rockwell

诺曼·洛克威尔

■《三人自画像》，画于1960年。

��这幅自画像现收藏于诺曼洛克威尔博物馆。

画一张自画像，玩几个花样。画中并不只是一张自画像，而是三人。在画里，我们能最直观地看到画板上，座椅上和镜子里的三个诺曼。再认真追究起来，其实并不止三张自画像。你会发现在画板的左上角有诺曼画画时打的草稿。右上角，则贴着几位大名鼎鼎的别的艺术家的自画像。从上至下，分别是阿尔布雷特·丢勒26岁时的自画像，梵高36岁时的自画像，一幅毕加索的作品，还有伦勃朗1652年的自画像作品。

这幅作品独具新意，是洛克威尔的一个代表作。他并不是单纯地想要描绘自己的外形和容貌。也不是传统自画像那样将注意力集中在人物的上半身。非常轻松且幽默地，他画的是自己一边对着一面镜子一边画自己，但他又不是真的一板一眼地把镜子里的自己画在画板上。

■诺曼作品，《爱说闲话的人》。

诺曼的幽默跟他长期为杂志画插画有关。作为美国20世纪早期的杰出插画家，诺曼·洛克威尔一生致力于用笔下的画，反映生活百态，他在《周六晚报》与后来《瞭望》双周刊和《生活》杂志作封面画，长年以来倍受广告公司欢迎，因为他的画作带有直接的观点，并充满了有趣的细节。诺曼最具有代表性的作品《爱说闲话的人》就从剖析人性的角度，批判了人与人之间的信任危机。��

Andy Warhol

安迪·沃霍尔

■《自画像》，画于1966年。

��这幅自画像现收藏于纽约现代艺术博物馆。

九种不同实验风格的色彩，难得的认真，让沃霍尔的自画像增添了让人凝视的时间。叛逆、名流、明星效应、艺术的实验性，商业、复制，这些元素加上沃霍尔自身的魅力，发酵成为一种典型的视觉符号。

你可以说，这就是安迪沃霍尔！你也可以说，他画的每一个别人，都是安迪沃霍尔。以不断的重复，趋同，形成一种独特的气质和与众不同。

■作为波普艺术的领军人物，沃霍尔有太多因自成一派的风格而被众人所熟知的作品。他的色彩实验，他的丝网印刷，他的重复排列，让人对高高在上的艺术有了全然不同的看法。

Salvador Dali

萨尔瓦多·达利

■《柔软的自画像与烤培根》，画于1941年。

��这幅自画像现收藏于西班牙达利戏剧博物馆。

不出所料，作为超现实主义大师的达利，连自画像都是如此不走寻常路。一张深受地心引力控制的脸止不住向下流淌，勉强能看出五官，还得感谢几根作为支撑的金属支架。木质底座的前方刻着“柔软自画像”几个大字，而上面摆着的那块烤培根？这或许是达利留给观众的思考题吧。因为他的天马行空，就像那两根向上翘的小胡子，你永远不懂。

然而达利的厉害之处就是，哪怕把自画像抽象成为一滩泥，你仍旧可以观察到泥中的精髓，那绝对神似的百分百之处。也许是因为有相机之后，画家们就不打算好好给自己画自画像了，所以为此极尽搞怪之能。要想知道画家长什么样，还真只能依靠照片呐。

■达利晚年。不得不说，与自己的自画像，还真是有几分神似。

Edvard Munch

爱德华·蒙克

■《骷髅手臂自画像》，画于1895年。

��这幅自画像现收藏于大英博物馆。

乍一看，这张自画像的面部表情也应该归到“一本正经”的流派。但是，蒙克是那么不出挑的类型么？不可能。仔细观察你就会发现，重点隐藏在画的最底部，那双撑在桌上的手竟是一副没有血肉的骷髅。

熟悉蒙克的人应该不会觉得惊讶，因为这位挪威的画家多以生命、死亡、恋爱、恐怖和寂寞等为题材，喜欢用一切对比强烈的线条、色块，和夸张的造型来表达感受，比如，那个在脑海中挥之不去的《呐喊》，你就知道在画家心里，平时滚涌着怎样翻江倒海的情绪了。

■蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是“生命组画”中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。

Cindy Sherman

辛迪·舍曼

■《无题 96号》，作于1981年。

��这幅自画像于2011年佳士得拍卖会以389万美元高价被拍出，创造了摄影作品拍卖的最高价。

在生活中，我们常常会形容一个表演欲强的朋友“戏真足”。那要说在艺术界有哪些戏足的艺术家，舍曼一定荣登榜首。这位精通摄影，绘画和电影的美国概念艺术家，热衷于自己出演所有作品中的主角，无论是一部电影或者是一张照片。在这幅《无题96号》中，舍曼镜头中的自己是一位年轻女孩，她穿着格子褶裙，手中紧攥着一张看不清的纸条，若有所思。而整张图的基调，也是轻快明朗的。无论如何，你也没法想到，这幅照片是全球最贵的自拍照。而比它便宜一点点的第二名，则是来自于舍曼的另一张自拍照。

■《无题电影剧照16号》，相片中的女性人物为舍曼本人。

Gehrard Richter

格哈德·里希特

■《自画像》，画于1996年。

��这幅自画像目前收藏于the Flowerman Collection。

不得不说，里希特是在世艺术家中最令人敬重者之一。他永远简单干净的打扮，让你不禁想起隔壁家每天朝九晚五背着公文包的高级官员。总之，在他身上，你看不到艺术家大胡子长头发的邋遢刻板印象。不信你看看这幅自画像，即使是表面像被蒙上了一层花掉的玻璃，模糊了低着头的里希特，我们还是能感受到他扑面而来的庄重之感。

里希特在绘画作品完成前有不少步骤。从找到或拍下的一张摄影照片开始，从中提取所要的色调，在画布上描绘出景物，逐步修饰到完成，时而加上柔软的刷子轻触、时而以刮刀涂抹，制造出独有的“模糊”效果。

越是模糊，越是想凝视更久，看到更多。里希特的作品自带着未解之谜，悲怆感与艺术气息混合，将绘画、摄影完美地交织，抽象之中又精准地复刻着现实。

■里希特的抽象画作品。

Yayoi Kusama

草间弥生

■《自画像》，画于2010年。

��这幅自画像目前被私人收藏。

5月22日刚刚在东京国立新美术馆结束了名为“My Eternal Soul”个人展览的草间弥生，可以说是日本最受欢迎也是最具话题性的当代艺术家。这位“波点女王”甚至在自画像上也不放过表达对小圆点的狂热喜爱。从背景，人物的头发到衣领，统统是由大小不一的彩色圆点有规则地堆砌而成。神韵和五官都和真人挺像的，只是，这幅画看起来大概比她本人年轻了二十岁。

草间弥生还被称为“密恐患者”最讨厌的艺术家。在她的许多展览现场，每个观展的人都可以将手中的小波点贴到纯白的房间中，直到长满密集恐惧症患者的噩梦。。。

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大师们暗藏的

小 心 机

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最含蓄的自画像完全靠心机。

Raphael

拉斐尔

■著名壁画《雅典学院》，创作于1510～1511年。

��这幅壁画现存于意大利梵蒂冈博物馆。

在这幅恢宏的壁画中，拉斐尔把古希腊罗马和当代意大利五十多位哲学家艺术家科学家荟萃一堂，表现自己笃信人类智慧的和谐一面，庄重地表现出对人类智慧的赞美。他将宗教的虔诚和非宗教的美貌有机地融为一体，将基督教和异教，统统融合在一起，创造出了《雅典学院》这样和谐的场面。整个画面犹如一出华丽的舞台剧，柏拉图和亚里士多德二人是该剧的主角，仿佛正在“表演”一出唯心和唯物论之争。

历史课本讲得太累……让我们把镜头往右下角拉近，再拉近，你会发现智者之间，藏着一位身穿黑衣头戴贝雷帽的男子，没错，正是拉斐尔本人��。诺，这就是大师完美的自画像！

Michelangelo

米开朗基罗

■著名壁画《最后的审判》，创作于1534～1541年。

��这幅壁画现存于意大利梵蒂冈西斯廷教堂。

这幅画是米开朗基罗在西斯廷教堂完成天顶画25年以后，在同一个教堂进行的又一项大创作，用了近6年的时间，在将近200 平方米的祭坛后的大墙上，绘出了数以百计真人大小的裸体群像。整幅画以耶稣为视觉中心，形成了一个视觉左右对称均衡和谐的章法。

在这些宏大壮丽，纷繁杂乱的场面中，有这么多人，到底哪一位是米开朗基罗？

别找英雄和斗士了。没错，那张被英雄拎着的皮相就是米开朗基罗的自画像（艺术家黑自己的段位也是相当的高）。由于米开朗基罗作品中的人物常常裸体，暴露生殖器，他还一度被污为“淫秽创造者”。在他死后，一些因“添补”他的作品中裸露的人体而出名的“裤子画家”和“遮羞布运动”也伴随而生。拎着米开朗基罗皮相的巴尔多禄茂下身就被后来的画家画上了遮羞布。

Jan van Eyck

扬·范·艾克

■《阿尔诺非尼夫妇》，创作于1434年。

��这幅画现存于英国国家美术馆。

艾克为早期尼德兰画派最伟大的画家之一，也是十五世纪北方后哥特式绘画的创始人。在这幅画中，阿尔诺非尼夫妇都脱了鞋，画中女人头戴白头纱，这些行为代表了圣洁，也暗示正进行神圣仪式，即结婚。一枝蜡烛，代表上帝，橙代表了财富，小狗则代表忠诚。这不应该是一张结婚照吗？作者的自画像在哪里？

这一次，画家把玄机设置在了新婚夫妇身后的墙壁上。从一面用来装饰的镜子中，我们不仅看得见这对新婚夫妇的背影，还能看见站在他们对面的另一个人，也就是身着蓝衣的艾克本人。唉，看了之后，晚上照镜子还真有点怕怕的。

Frida Kahlo

弗里达·卡罗

■《两个弗里达》，创作于1939年。

��这幅画现存于墨西哥现代美术馆。

永远给自己画上隐约的胡子，以及有着浓密的连成一线的眉毛，是弗里达·卡罗的显著风格之一。这倒不是刻意搞艺术创作，弗里达只是把自己的相貌特征强化了，贯穿在她在一生中大大小小的自画像中。她是一位相当高产的自画像艺术家。

然后她对自画像的狂热不止于此，除了显而易见的特征，还在一些细节心机上……细心观察的话，我们会发现，图中隐藏着两个容易被忽视的细节：画面左边的弗里达亲手用一把剪刀剪断了联通心脏的血管。右边的弗里达手中紧握的，是由血管连接的一张丈夫迪亚哥的画像。分析家认为，这暗示着遭遇婚变后的弗里达，伤痛欲绝。

弗里达有着不算幸福的一生：6岁时小儿麻痹，造成了她右腿比左腿为短。18岁那年的秋天，弗里达出了严重的车祸，造成下半身行动不便，经过多达三十五次的手术，最终右腿膝盖以下还是截肢。与著名壁画家迪亚哥的婚姻也曾出现过危机。正如这幅《两个弗里达》，描绘的即是与迪亚哥幸福生活的自己和被抛弃的自己。

以上这些不同时期的艺术家们，每个人都有自己强烈的美学符号和表达方式。看他们的自画像，就像在看一本本日记，如何剖析自己，如何记录自己当下的状态，他们有着自己独特的构思。究竟要使用美颜，还是要完全写实？还是想要别出心裁地玩一场寻宝游戏？以上这些艺术家前辈们，已经给出了很棒的答案。

看完后，你打算给自己创作一副怎样的自画像？

Text_馨羽 图片_网络

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