图解中国画造型方式的演变，从技法的角度说美术史

所以说，《人物御龙图》的线造型方式很有表现力。

由《人物御龙图》可以判断，中国画最早就是用线造型。

二、 凹凸画法登上中国画坛

（1）什么是凹凸画法？

中国画线造型方式到两晋之后发生巨大改变，标志性事件是——出现了“凹凸画法”。

何谓“凹凸画法”呢？

简单地说，就是通过控制颜色深浅的变化画出立体感，不过，这种立体感不同于油画的三维立体感，而是介于二维与三维临界状态的二度半空间。

凹凸画法通过渲染的方式完成。用蘸清水的毛笔将颜色染开，由深到浅过渡到没有颜色的地方，深色的地方有凹进去的感觉，浅色的地方有凸起来的感觉。

据现存史料记载，凹凸画法最早出现在南朝的梁代，由印度传入中国。

随着发源于印度的佛教在中国的传播，以阿旃陀壁画为代表的印度传统绘画凹凸法，在新疆克孜尔石窟与敦煌石窟壁画中采用，梁朝画家张僧繇、唐初画家尉迟乙僧都善画“凹凸花”，当时这种凹凸晕染法被称作“天竺遗法”。

阿旃陀壁画局部 印度 6世纪

新疆克孜尔壁画局部 中国

这幅克孜尔壁画虽然斑驳残破，却仍然可以看出来，人物的脸、脖子和裸露的胳膊都像阿旃陀壁画一样，有“二度半”空间的立体感。只不过，这幅画的线条和染色都很粗糙，说明此时的凹凸画法还不成熟。

《洛神赋图》局部 顾恺之（宋摹本） 东晋

《洛神赋图》被推断为不是顾恺之的原作，而是后世的摹本，画中出现的凹凸渲染法便是证据之一，据现存史料记载，东晋时期，这种画法还没有传入中国。

到唐代，凹凸渲染画法达到了普及与繁荣的时期。

《历代帝王图》局部 阎立本 唐

《历代帝王图》中的的凹凸染法很强烈也很细腻，与线造型和谐统一成为一体，这种画法在当时已经很成熟。

不过，《历代帝王图》这种有强烈凹凸感的画风并没有持续多久，很快就被中国画固有的特征给掩盖了。到了宋代，由于审美观念发生变化，强立体感渲染的风格不再受到推崇，画面又恢复了平面化、装饰性强的特征。

《秋庭婴戏图》 苏汉臣 宋

宋代《秋庭婴戏图》虽然也有凹凸感，但是比唐代《历代帝王图》的凹凸感弱得多。

这种特点在宋代对前代绘画作品的临摹过程中也能看出来。比如现存的宋摹本《步辇图》，虽然是照着阎立本的画临摹的，但是凹凸感明显弱于《历代帝王图》。我们以浅色衣服为例，对比这两张画。

《历代帝王图》中，人物衣纹处的渲染效果十分明显，凹凸感很强，《步辇图》中，人物的靴子和帽子有比较强的凹凸渲染效果，但是衣纹处只有非常淡的渲染痕迹。

三、 线与客观造型

宋代工笔画技法很成熟，尤其是工笔花鸟画得到蓬勃发展，成为后人难以企及的高峰。

唐朝时相对简单的凹凸渲染法到宋代演变为更含蓄、更丰富的技法，分染、罩染、统染、烘染、点染、托染等等方法都已经成熟。

《出水芙蓉图》是宋代工笔花鸟画中的精品，传为吴炳所作，不过画上没有款印，不能确定作者。在这幅画中，一朵盛开的荷花占据了大部分画面，色彩典雅，艳而不俗，尤其是花瓣轻盈、柔润的质感令人叹为观止。

这张画将荷花盛开的自然之美展现得淋漓尽致。

《出水芙蓉图》 佚名 宋

另一张宋画《鹡鸰荷叶图》则表现出荷塘萧瑟的美。残破的荷叶斑斑驳驳，述说着凄清寒冷的秋意，几根折断的荷梗更增加了几分悲壮的气息，一只孤独的鹡鸰则呆呆地看向水面。这种荒寒的美不仅是视觉的美，更是意境的美。

在看尽自然的宋代花鸟画家眼里，荷花盛开是美的，枯萎也是美的

《鹡鸰荷叶图 》 佚名 宋代

宋朝工笔花鸟画用线与渲染的技巧已经臻入化境，画家们对大自然的观察与表现达到了极致，线条、色彩与被表现的客观之物完美地融合到一体。

五、 线与主观造型

元代以后，写意画逐渐占据画坛主流，中国画线造型的方式有了颠覆式的发展。

接下来看看元代黄公望《富春山居图》与宋画的对比。

《富春山居图》中的松树 黄公望 元代

《早春图》中的松树 郭熙 北宋

在《早春图》中，一根根松叶像针一样细细长长，合起来一簇一簇的，像个刺球一样，很像现实生活中的松叶。

在《富春山居图》中，松叶只是一些类似于三角形或水滴形的墨点，跟现实生活中的松叶不太像。

从上面的对比可以看出来，《早春图》的松树明显比《富春山居图》的松树更像真的松树。

我们再来看一看北宋范宽的《溪山行旅图》和《富春山居图》中石头的对比。

在《溪山行旅图》中，范宽把石头坚硬粗糙的质感和凹凸的立体感画出来了。

在《富春山居图》中，黄公望画的石头质感和立体感都不太强，基本是平的。

最后再看看宋代山水画中的水和《富春山居图》中水的对比。

宋代山水画中流水被画得很有动感。溪水在平缓一点的地方水纹很流畅，在撞到石头的地方则溅起很大的水花。通过生动的细节处理，可以感觉得到这里的水流速很快。

《富春山居图》中的流水几乎是一片空白。只在几个拐弯的地方画上几笔，交代一下水流的方向而已，如果把这几笔挡住，几乎看不出来此处画了水。

写意画在唐宋时期萌芽，到元代以成熟的面目登上中国美术史舞台以后，一直到明朝、清朝，都占据了中国画坛主流地位。写意画摆脱了客观自然对线造型的束缚，是一种主观的造型方式，画得像与不像不再重要，关键在于是否在画的过程中抒写了“胸中逸气”。

元代以后，一流工笔画家们的线条也越来越具有独立的美感，不再是形的附庸。

我们来看看明末出色的工笔画家陈洪绶的作品。

宋画《出水芙蓉图》为了表现花瓣质感，线条画得非常细，而且变化很多，包括花瓣上一实一虚的、细小如发的脉络都画得一丝不苟，为了画出脉络的质感，在每一根实线脉络旁还有淡淡的渲染，所以特别生动自然。

我拿一张荷花的照片与画对比给你看，相信你就能体会到宋人对自然的观察与表现有多深入。

陈洪绶《荷花鸳鸯图》中的造型比较概念，并不生动，线条很粗，而且很黑，但是提、按、顿、挫的变化很丰富，线条具有书法的美感，这是与宋画不一样的审美追求，体现的是主观造型之美。

自然之美与主观造型之美孰优孰劣？

这是仁者见仁智者见智的选择，每一个观众都可以有自己的判断。

五、 西方绘画进入中国以后

从明朝末年到清朝，西方油画与版画进入中国，对中国画造型产生了一些影响，尤其是对人物画的影响最大。

我们来看看唐代人物、清代人物与油画人物的对比图。

唐代工笔画是一种主观的线造型法，重视的是人物的气韵、神情，与油画的面造型法相比，立体感比较弱，人体比例严重变形，这是两种完全不同的造型方式。

清代一些人物画家们的造型受西方艺术的影响，比例逐渐趋近于真实人物，不过，线条的关键作用并没有动摇，立体感也不明显。

正常成年人的身体比例通常是七头长左右，如果是八、九头长那就是模特的坯子，如果是五头长，在现实生活中就是侏儒了。不过，如果不是被刻意指出来，一般人看《历代帝王图》，并不会意识到比例有什么问题，这就是中国画的妙处，画中的真实或许不是你看到的真实，但是符合你感觉到的真实。

从仕女画同样可以看出上述的造型变化，冷枚的《春阁倦读轴》的人体比例也是按照西方式的比例来处理的，不过他也同样选择了对线造型的坚持。

从战国到清朝，虽然外来文化曾影响过中国画，但是线造型为主的方式一直没有变，对线条的表现力一直在挖掘，说明这是传统中国画造型最重要的特征。

历史上有各种各样的技法，每个朝代并不是一种画法一统天下，我在文中选择的只是很少的一部分作品，肯定不能代表当时所有的画风。不过，中国画太多的理论都是玄而又玄的文字，我希望能够换个角度去看中国美术史，本着以画会友的立场，希望与同道多多切磋，不足之处还望方家指正。返回搜狐，查看更多